中国国家博物馆继“黄永玉九十画展”获得巨大成功之后，又推出新海派领军人物陈家泠先生的大型个人艺术展：“化境——陈家泠艺术展”，展览以四个展厅展出四个主题：万紫千红、万水千山、万种风情，万变为宗，囊括了他近年创作的中国画中的人物、山水、花鸟以及工艺美术中的陶瓷、家具染织、服装等。

　　展览由中国国家博物馆主办，展览位于南1至南4展厅，展览将持续到10月12日结束。

　　本期导览人：新海派领军人物陈家泠

艺术家陈家泠

　　陈家泠：我搞画展，有几个常用的题目，“化境”、“和美”、“灵变”、“神游”。神游基本上山水画就神游，综合性的就是和美，上次北京我搞了一个画展叫“灵变”，为什么题目叫“化境”呢?我自己认为化境对我来看也许是一个艺术的一种理想、一种追求。因为我们的艺术要达到一种很自由的境界，要有一种无拘无束的感觉，我想这个可能就是一种非常理想的境界，所以经常用“化境”，这个化境是很难达到的，也是我理想追求的，所以91年的时候在香港开画展我就用了这个化境，那个时候偏多于花鸟，2007年的时候在上海美术馆我用了一个化境，那个时候少数的山水也已经发展，这一次来中国国家博物馆开画展我又用了一个“化境”.我的“化境”一步步由小到大，由低到高，慢慢地向这个理想进军，从技术的层面也是这样，先从花鸟慢慢发展到山水，又慢慢发展到人物，所以也是一种化境。从内容的角度来看，我们瓷器、家具、服装，从艺术走向生活又是一种“化境”。

　　我这次在国家博物馆展出四个部分，就是四个“万”，第一个厅是万紫千红，主要是花鸟;第二个厅是万水千山，主要是山水;第三个是万众风情，主要是人物;第四个厅是万变为宗，包括陶瓷、家具、服装等等。其实，这个灵感来源于打麻将的时候，“四万”。

《红叶小鸟》 三幅莲屏

　　这一幅作品是《万紫千红》花鸟当中画的比较多的，很多人喜欢这幅画，特别是在喜庆、结婚的时候。因为它的色彩比较亮堂，用很时髦的语言就是时尚、阳光，其中红色非常雅致，所以人家就很喜欢。这个红色是用的英国水彩的一个颜色，是在很多中红色中挑选出来的，它的特点就是雅、鲜。从效果上来看，大家感觉叶子中间的叶脉不是我画出来的，而是水分两面因为宣纸的特点晕开来，两面一运开来中间就变成这样了，这种画法就是很自然的效果，同时带有一点设计性质。

　　从构图上看也非常有趣，就好像舞台上主要人物打一个灯，很集中，这个集中的效果很空灵，好有一种很奥妙，构图上很新、很集中、很饱满，大家就比较喜欢，这一张画可能是我在社会上流传最多的。

《食鱼图》 云锦

《食鱼图》 云锦

　　陈老师：这几组鱼是前两个月画出来的。前段时间我去台湾，在当地的海洋博物馆游览，里面的鱼太漂亮了，我就画了一组鱼。这组鱼其实是海洋里边的鱼，当时我也在惊叹大千世界里的鱼是如此精彩。我其实一方面就是画画，一方面也是感悟自然，感悟海洋的一种广阔的境界。

　　我画的鱼各种各样，丰富多彩，而且这些鱼都带有一种童趣，其实我是根据很小的鱼给它放大，是画给我的孙子。他才一岁多，很有趣。这批鱼的特点就是有幽默感、童趣、生命力和活力。

　　我认为艺术家本身就要童趣，尤其到我们这个年龄就要记住两条：第一条要返老为童，虽然你老了，但是你要像儿童一样，就是要有童趣、好奇，对任何的事物都要有敏锐的眼光、好奇的心态，保持你的精神不老;第二点就要返璞归真，你年纪老了，修养高了，你就要把这种真情实感体现出来，这个是你的技术跟修养的综合，我觉得我这一批鱼是向这方面努力。这些鱼都是从感情上来看，含有对下一代的期望、对大自然那种尊敬，所以这里边也有好多鱼是富有创造性，富有趣味性，富有人情味。

　　陈老师：这组家具的木料不是最高档的木料，但是花纹很有趣，所以搞艺术的人特别喜欢，它的特点在于设计比较新颖，根据明式家具再给它重新组合，也就是古为今用。这个家具是我和儿子陈亮合作设计的，他本身也是搞国画的，但是因为我有一个陶瓷平台，他就在这个基础上进一步发展。

　　还有一个特点就是里边都镶嵌着我的作品，当然这种方法在古代就有，红木家具里边放大理石等也蛮好玩的，我们把这个意境移植到我的陶瓷跟家具，很很亲切、蛮有趣，参观的人对这个都是蛮感兴趣。

　　另外这两个瓶子是德国皇家瓷器厂跟我们合作的，这个瓷器是他们的，这个画是我的。这也说明国外对我们的瓷器、艺术发生了兴趣，所以我们的取向不仅仅是中国，我们也要走向世界，这个就是我们的理想，将来会更进一步发展。

　　我所以创作家具，可能跟我对艺术的理解有关。我认为艺术家到最后无处不在，艺术无处不在，艺术就是要生活化，不再是收藏家的事，艺术不再仅仅是阳春白雪，我们要把阳春白雪跟下里巴人全面组合起来，这个叫现代化。另外就是普及与提高的关系，将来就要做到下里巴人也要把它变成阳春白雪，阳春白雪要更加阳春白雪，这个就是社会发展的一个趋向。

西镇织屏风 《春夏秋冬》

　　陈老师：这件作品是日本专门给皇族御用的衣料机构根据我的画面创作的，这也是他们第一次跟中国艺术家合作，把我的四幅画，《春夏秋冬》和两个小鸟织成作品。我之所以展示这件作品，是因为织锦技术是中国流到日本去的，后来他们发展、发扬，织得非常好，最忠实于我的原作，包括它的装潢也比较考究，很完整的体现了艺术作品的完整性。虽然我们也有好的技术，但是装潢没有他们好，这个就说明我们要向他们学习，学习认真、细致的精神。

陈家泠创作的瓷画

　　陈家泠：这是我的一件陶瓷作品，我自己在上海有一个窑，我怎么会喜欢上陶瓷呢?在八十年代初，景德镇有一批美工到我们学校来学习，毕业后就到景德镇厂里去看他们画，觉得这个蛮有趣，那个时候就开始画瓷器，但是那个时候画瓷器釉上彩。

　　八十年代初我对陶瓷开始感兴趣，到九十年代中期，上海一个朋友搞了窑，让我们去画，开始对窑变就感兴趣，它里面充满了偶然性。到2003年，我自己在上海的一个小区搞了一个窑，从此一个艺术家、国画家在上海滩有自己的一个窑，也变成了海派新的陶瓷的一个起点。前几天，上海市非物质文化遗产已经批下来了，我们是一个点，我觉得很感兴趣，一方面证明社会在进步，一方面证明社会需要艺术，这对于艺术家来看是一个鼓舞，政府和国家给我们的艺术是一个鼓励，一个承认。

　　我这次带了十件釉里红的作品，釉里红从专业上是最难掌握的一种材料，所以我的陶瓷不光光是玩画面。从陶瓷的历史来看，在景德镇，艺术家跟陶瓷艺术结合还是民国的时代，“朱山八友”开创了艺术家跟陶瓷结合的一个里程碑。我这个海派陶瓷，一个搞国画的艺术家，进入到跨界的陶瓷领域，而且研究最难的釉里红来玩一下，也就是艺术的绘画跟材料的变异组合起来了，这个可能就是我的特点，所以我认为这几件作品都是当代性的，都是从传统当中来的。